International modern and contemporary art
TATE BRITAIN 跟 TATE modern 是兩家分別獨立的美術館喲！可以來看看他的兄長museum篇 – Tate Britain ！
- 時間：週日～四10:00-18:00，週五、六10:00-22:00
- 地址： Bankside, London SE1 9TG
- 官網：https://www.tate.org.uk/visit/tate-modern
相關篇章：大英博物館、V&A博物館、National Gallery、Tate Britain、Tate Modern、National Portrait Gallery、Somerset House、自然史博物館
Tate Modern相對TATE BRITAIN大得多（分為兩側），參觀的人潮也相應多。下午，一場突如其來的雨，讓路上行人紛紛躲進了Tate Modern美術館，感受現代藝術的多元表現。Tate Modern館藏豐富，從抽象畢卡索、印象莫內到達利、達達主義，很適合一來再來慢慢欣賞：）以下，就淺顯的分享一下Tate Modern裡的藝術典藏吧！（定期也會舉辦各式展覽，請持續關注官網）
這次weeping woman沒有展出來!!!下次一定好好見到到她！
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Fons Americanus
（上圖左）一進美術館就能看見正在展出的Fons Americanus Kara Walker，三層樓以上的高度近距離觀看非常震撼，很多人坐在水池邊休息（一旁邊的標示語倒顯詼諧：「請勿觸碰或飲用池水😉」）。
美國知名黑人女藝術家Kara Walker在倫敦Tate Modern美術館展出的最新創作噴泉雕塑，以白金漢宮前維多利亞女王雕像為靈感，背後有發人深省的寓意，推出後受到熱議與好評。
這個名為Fons Americanus，高13公尺的噴泉，有兩層的水池，Kare Walker藉此探索非洲、美國及歐洲互聯的歷史，她以水作為主題，意指跨大西洋的奴隸交易，以及這三個大陸的人民的野心、命運和悲劇。
近看這座噴泉雕像，最上方的女主角的噴水口安排在被割開的喉嚨和一對豐乳，池中有險惡的鯊魚，在小船上掙扎的男子，她同時引用1840年英國著名畫家特納（JMW Turner）所畫奴隸船（Slave Ship），製作一個帆船雕塑，穿著英軍軍服的軍官等，盡顯對大英帝國的批評。
該雕塑於2019年末至2020年初被安置在泰德現代美術館的渦輪大廳內，並在該處被毀。
Meredith Frampton Portrait of a Young Woman（1935）
好喜歡風格！儘管他的上色手法傳統，在構圖上卻有著強烈的現代感。
由英國畫家 梅里迪斯·福蘭普頓 (Meredith Frampton) 於 1935 年創作的《年輕女子肖像》（Portrait of a Young Woman）。這幅畫展現寫實主義美學，畫中模特兒瑪格麗特·奧斯丁-瓊斯在冰冷而均勻的光影下呈現出一種非自然的靜謐感。畫中女子所穿的優雅洋裝，其實是畫家母親根據當時《Vogue》雜誌的紙型親手縫製而成，而桌上那只造型獨特的白色花瓶，更是畫家為了追求理想構圖而親自設計並上漆的木製品。
極度精準且理性的風格，屬於戰間期追求「秩序回歸」的藝術運動。畫面中央的大提琴不僅象徵了模特兒的音樂才華，其琴弦與琴弓的細部描繪更是精準。福蘭普頓刻意過濾掉所有情緒的起伏，使整件作品籠罩在一種超現實的、真空般的氛圍中，這種對物件細節的痴迷與對秩序的執著，反映了當時社會在動盪後對穩定的渴望。由於追求極致導致產量極少，加上後來因視力衰退而封筆，這幅作品不僅是泰特不列顛的瑰寶，更是藝術史上寫實主義與現代感官交織的巔峰之作。
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Piet Mondrian Composition B (No.II) with Red （1935）
講到現代藝術、表現主義怎麼能不提Piet Mondrian(蒙德里安)！蒙德里安是荷蘭畫家，風格派運動幕後藝術家和非具象繪畫的創始者之一，對後代的建築、設計等影響很大。自稱「新造型主義」，又稱「幾何形體派」。相信大家對他的作品應該不陌生，紅藍黃色塊與黑白線條的幾何構成，如今被大量用在各種二創設計等等。
相對於蒙德里安那些被印在時尚大衣或皮夾上、色彩斑斕的經典作品，這幅 1935 年創作的《B號紅色構圖》顯得極為冷靜且肅穆，標誌著他在定居倫敦前夕，對於「新造形主義」（Neo-Plasticism）最純粹、也最接近精神性的探索。
在這幅畫中，僅在左上角保留了一塊鮮豔的紅，其餘空間則交給了不同比例的白與黑。那些黑線並非單純的「框」，而是他眼中的「顏料平面」，它們以不對稱的節奏切分畫布，創造出一種「動態的平衡」。有趣的是，如果近距離觀察，會發現看似冰冷的線條其實充滿了手感與呼吸感，蒙德里安刻意留下的筆觸與不均勻的黑色寬度，打破了機器般的精準，讓畫面在絕對的幾何秩序中，流露出一種手工藝的溫度。
1930 年代中期的倫敦，對於蒙德里安而言是個充滿轉折的避風港。當時他為了躲避納粹對「墮落藝術」的打壓，從巴黎遷移至倫敦漢普斯特德（Hampstead），並與英國前衛藝術家如亨利·摩爾、芭芭拉·赫普沃斯比鄰而居。這幅作品正是他這段「倫敦時期」美學的縮影：在動盪的世界局勢下，試圖透過直線與原色的平衡，尋找宇宙中永恆且和諧的秩序。
Man with a Newspaper
我很喜歡的一幅作品! 明明看似是一個極為簡單的日常，卻透漏出一絲詭譎的氛圍
雷內·馬格利特於 1928 年創作的 《閱讀報紙的男人》 (Man with a Newspaper)，是倫敦泰特現代藝術館中最令人感到「不安」的超現實傑作。馬格利特的死板風格在這四幅簡單的畫面中清晰可見。每個部分似乎完全相同，除了閱讀報紙的男人消失了。四個面板之間有輕微的透視變化。透過關注窗外的景色，這一點可以看出來。這種轉換增加了這幅畫的稍微不安定的效果。這可能與早期3D觀看設備中圖像的位移有關。這種微妙的顛覆日常生活的方式是馬格利特和他的比利時超現實主義同事的典型。他們更喜歡安靜的顛覆而不是明顯的公共行動。
馬格利特透過這種極致的重複與突兀的「缺失」，展現了超現實主義中的「詭譎感（Uncanny）」。
Salvador Dalí Lobster Telephone (1936)
薩爾瓦多·達利（Salvador Dalí）於 1936 年創作的《龍蝦電話》（Lobster Telephone），是倫敦泰特現代藝術館最具著名的作品之一。
作品將冰冷的現代通訊科技與充滿原始欲動的生物強制結合，創造出一種令人不安卻又難以移開視線的視覺張力。對達利而言，這荒誕的玩笑，是他「偏執狂批判法」（Paranoiac-critical method）的體現——透過將完全不相關的物件強行並置，揭示隱藏在文明外殼下的潛意識渴望。
這件作品起源於達利為其重要贊助人愛德華·詹姆斯（Edward James）設計的室內裝置。1942 年出版的自傳 《達利的秘密生活》（The Secret Life of Salvador Dalí），達利曾語帶嘲諷地在自傳中問道：
「我不明白為什麼當我在餐廳點烤龍蝦時，服務生從未送上一支煮好的電話；我也同樣不明白，為什麼香檳總是冰鎮著，而電話——這些平時摸起來總是燙手且黏糊糊的東西，卻沒有被放在盛滿冰塊的銀色冰桶裡。」
（原文：I do not understand why, when I ask for a grilled lobster in a restaurant, I am never served a cooked telephone; I do not understand why champagne is always chilled and why on the other hand telephones, which are habitually so frightfully warm and disagreeably sticky to the touch, are not also put in silver buckets (…)）
最令人感到「詭譎」的細節在於，龍蝦的尾部（即其生殖器官所在位置）正好對準了電話的收音孔，這意味著當人們試圖進行文明的溝通時，雙唇必須被迫貼近這隻原始、充滿感官刺激的甲殼類動物。這種將食物、溝通與欲望交織的手法，成功地將平凡的日常用品轉化為一件充滿威脅感卻又令人神往的藝術裝置，成為二十世紀最著名的超現實物件。
Salvador Dalí Autumnal Cannibalism （1936）
Salvador Dalí （薩爾瓦多·達利）著名西班牙畫家，因其超現實主義作品聞名，他與畢卡索和米羅一同被認為是西班牙20世紀最有代表性的3個畫家。
達利是一位具有非凡才能和想像力的藝術家，達利因為人們觸目驚心、與夢相關的超現實主義畫面所熟知。達利的超現實主義風格強烈，融化的人類軀體、螞蟻、支架、流淌的時鐘，詭譎的夢靨，小時候的我真是對達利的畫作又怕又愛呀。
達利 1936 年的作品《秋天的食人行為》（Autumnal Cannibalism），是他在西班牙內戰爆發後對家國自殘最殘酷的視覺隱喻。畫面中一對男女在深情擁抱的同時，正用刀叉優雅且冷靜地分食彼此的肉體。對達利而言，戰爭並非抽象的政治，而是一場集體的「食物狂亂」——同胞如食人族般在金黃秋色下自我消融。頭上那顆平衡的蘋果，則透過威廉·泰爾（William Tell）的神話暗示了父子同室操戈的荒謬，將毀滅轉化為一種令人不寒而慄的生理性消遣。
這幅畫目前也是倫敦泰特現代藝術館（Tate Modern）的重要館藏。
Pablo Picasso The Three Dancers（1925）
西班牙著名的藝術雕塑家、版畫家、舞台設計師及作家，出名於法國，和喬治·布拉克同為立體主義的創始者，是20世紀現代藝術的主要代表人物之一，遺作逾兩萬件。畢卡索是少數在生前「名利雙收」的畫家之一。與達達主義Marcel Duchamp（馬塞爾·杜象）和野獸派Henri Matisse（亨利·馬蒂斯），為三位在二十世紀初期開始造型藝術革命性發展的藝術家。
Picasso，重新定義角度與形體的革新者。黑白色調的「格爾尼卡」（Guernica）控訴戰爭的殘暴無情、打破角度的「亞維農的少女」、濃重憂鬱的藍色「悲劇」、與少女間的純愛「夢」等，展現出不同時期、心境的畢卡索。
The Three Dancers強調了暴力與性，畫中是三位芭蕾舞伶的彩排，而畢卡索也正面對朋友Ramon Pichot的去世。Pichot的死讓畢卡索想到二十多年前往事，那時Pichot與其朋友Carlos Casagemas一同愛上了美麗的Germaine Gargallo。一直得不到回應的Casagemas最後在射殺 Gargallo後舉槍自盡（當時他20歲）。這段回憶顯現在這幅作品上，扭曲的人物角度、刺目的色彩加上厚重的上色，都表現出其中暴力的情感。
Claude Monet Water-Lilies (after 1916)
Claude Monet莫內，法國畫家，印象派代表人物及創始人之一，「印象」一詞即是源自其名作《印象·日出》。莫內擅長光與影的實驗與表現技法，最重要的風格是改變了陰影和輪廓線的畫法，在其畫作中沒有非常明確的陰影，亦無突顯或平塗式的輪廓線。此外，他對於色彩的運用相當細膩，曾長期探索實驗色彩與光的完美表達，常在不同的時間和光線下，對同一對象作多幅描繪。
《睡蓮》（Les Nymphéas）法國印象派畫家莫內所繪的系列油畫作品，總共約有250幅，創作花費了莫內晚年的大部分時光，且繪成於莫奈罹患白內障時期。睡蓮組畫是莫內晚年作品的一個成熟系列，也更進一步成就了他印象派大師的名號。
1890年間，莫內在Giverny的家中設置了個日式風格水中花園，而這裡便成了他的“室外畫室”，池塘上飄蕩著的睡蓮也因此成為莫內畫中主角首選。睡蓮系列也成就了莫內對於自然光影的詮釋，與對環境變化的追尋。站在畫前，你可以感受到池水緩緩蔓延、浸染整面白牆，睡蓮沈浮沈浮地隨著水波搖曳，莫內的睡蓮是無法用畫框限制住的，最安逸平緩的畫面有著最強而有力的生命力度。
莫內起初只是觀賞睡蓮，後來漸漸產生了創作的衝動——「池裡的精靈浮現在我眼前，我舉起了調色板」，就這樣一幅幅睡蓮畫作誕生了，睡蓮成了他晚年繪畫的主題。如今這些睡蓮畫作散落在世界上千個大美術館、博物館，流到市場上的作品也被各國收藏家爭相購買珍藏。
畫作欣賞 Deification of a Soldier
描繪越戰場景
畫作欣賞 The Autobiography of an Embryo
胚胎的自傳：）
畫作欣賞: 白色
二十世紀初，一些作家開始只用白色來作畫，單一的色彩是表現抽象概念的重要方式。白色可以表現出一種極致與純粹、不受畫面框架，畫家運用陰影、畫紙媒材來呈現不同的哲學思想或態度。
畫作欣賞 Bridget Riley
Bridget Riley透過觀察光影，產出色彩的各種拼接吸引大家在洞察力的物理性過程。
畫作欣賞 Red on Maroon
克萊因藍 International Klein Blue
「你能夠發現新顏色嗎？」上面的藍色是Klein自創的Klein藍噢！
相片、裝置作品
攝影創作 卡崔納颱風下的美國密西西比
專門拍攝好萊塢明星家內的攝影師
收音機堆疊的大型裝置藝術
有各種頻道聲
這種面書牆，以強烈傳統民俗色彩填滿，書上的名字則來源於第一二代來英國的移民們
Marcel Duchamp 1887–1968
馬歇爾·杜象 (Marcel Duchamp) 美籍法裔畫家，二十世紀實驗藝術的先驅，被譽為「現代藝術的守護神」。其作品對於第二次世界大戰前的西方藝術有著重要的影響，達達主義及超現實主義的代表人物之一。他於15歲開始繪畫，受立體主義、觀念藝術、達達主義影響。作品多顯示反戰、反傳統、反美學。
這也是他稱為「現成物」的系列作品之一。杜象在《噴泉》這件作品中使用了在紐約第五大道118號的J·L·莫特鐵工坊連鎖店購買的貝德福郡型陶瓷小便斗，將其命名為「噴泉」並署名「R. Mutt 1917」簽名字樣。
達達主義 是一場興起於一戰時期的蘇黎世，涉及視覺藝術、文學、戲劇和美術設計等領域的文藝運動，是20世紀西方文藝發展歷程中的一個重要流派，是第一次世界大戰顛覆、摧毀舊有歐洲社會和文化秩序的產物。達達主義作為一場文藝運動持續的時間並不長，波及範圍卻很廣，對20世紀的一切現代主義文藝流派都產生了影響。
Atlantic Civilisation
巨幅畫作，以共產黨政治宣傳畫為主題，細看能看到許多反美設計
這幅圖像充滿了與腐敗有關的對立敘事，源於殖民主義、階級和資本主義。透過插畫中的殖民降落傘兵和返回哀悼者的棺材，以及亞洲婦女和死去孩子的對比，提到了法國在印度支那的殖民戰爭。最後一張圖像引用了巴黎著名畫家毕加索（Pablo Picasso，1881-1973）1937年的壁畫《格爾尼卡大屠殺》（Reina Sofia博物館，馬德里），該畫作象徵了戰爭對平民的代價。此外，圖中還暗示了其他法國殖民政策的後果：透過一名黑非洲的孩子擦鞋和一些阿爾及利亞移民躲在波紋鐵板下的描繪，呈現了黑非洲和北非的征服。Fougeron在他的“恥辱三聯畫”中重複使用了這個特定細節，而《Sakiet III大屠殺》（泰特T07706）就是其中的一部分。在《大西洋文明》中，Fougeron通過展示老人被遺棄在長椅上、母親和孩子住在帳篷中、以及一圈被工業污染包圍的孩子，來探討更一般的對家庭生活崩潰的恐懼。這些對比之所以存在，是因為階級差異的強調，例如把阿爾及利亞人和中產階級孩子的隱蔽空襲庇護所並排放置，或者是在寵物狗旁邊，穿著背心的擦鞋工。
Fougeron認為，腐敗的根源在於美國推廣的戰後文化，也就是資本主義消費主義和軍國主義的體現。這個作品的中心是一輛巨大的美國汽車，旁邊是一個身穿制服的美軍，腳懶散地放在法國咖啡館的桌子上，閱讀著軟色情雜誌。以渾然天成的資本主義國家美國為代表，而法國則以肥胖的商人的形象向這輛車致敬。第二名士兵的細節，越過汽車開槍的樣子，確認這些象徵暗示著法西斯主義，因為他的德國頭盔上印有納粹突擊隊SS的標誌。而在這一切上方高聳著美國用來處決以艾瑟爾和朱利葉斯·羅森堡夫婦為代表的間諜罪名被判刑的電椅，該事件發生於1953年6月。由於他們被指控出於良心向蘇聯洩露核密碼，而不是為了經濟利益，所以在政治左派看來，他們是一個有原則的和平運動的代表。這個細節與空襲防空洞裡的孩子們形成對比，以強調定義了冷戰極端化的核威脅。
海報視覺作品
每期展出來的作品都有不同，適合有半天空閒時的好去處，樓下也有咖啡廳、餐廳等，休息一下，繼續前進！
「下次來想帶一副藝術家撲克牌哈哈哈！」
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