• 時間：週六～週四 10:00-18:00，週五 10:00-21:00
• 地址：St. Martin’s Pl, Charing Cross, London WC2H 0HE (就在面對國家美術館的右側)
• 最近tube站：Charing Cross
• 官網：https://www.npg.org.uk/

倫敦美術館走透透：
大英博物館、V&A博物館、National Gallery、Tate Britain、Tate Modern、National Portrait Gallery、自然史博物館、Somerset House

國家肖像藝廊是世界上收藏最多名人肖像的藝廊，在這裡你可以一睹對英國歷史和文化有影響的名人的生活和成就。藝廊展出中，可以找到接近2000幅名人肖像，重溫自中世紀至現代以來，500多年的歷史。名人肖像包括莎士比亞到艾美懷絲，藏品涵蓋Hans Holben至David Hockney等眾多畫家，以不同媒材創作的作品。

國家肖像藝廊就位於國家美術館旁邊，是世上第一個以肖像為主的美術館，也因此與其他美術館不同，不以畫家名氣為收藏，而是注重“畫中人物”的身份與地位。在這裡，可以從肖像中了解從18世紀以來的英國歷史人物，亨利、理查德、查理、喬治等國王對應一幅幅皇室肖像，真的需要有厚實的歐洲史背景才能欣賞得更深入！小女子不才，對歐洲歷史所知有限，也就知道幾個較為出名的人物了。(並心道：「噢！原來他的長相是這樣！」)

除了歷史、皇室人物，也有各領域傑出人物的畫像，像是科學研究、文學、美術藝文歌唱家等等，也都可以在不同展覽區找到他們的蹤跡的！像是珍奧斯汀、披頭四、達爾文、華特等等。btw藝廊每週五也都會舉辦藝文活動，詳情可至官網查詢～

博物館內“名人”眾多，絕對超過任何一場明星演唱會陣容，縱橫百年、橫跨大洋，讓你一個下午就飽覽世界名人集！

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名人一覽

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THE DEATH OF THE EARL OF CHATHAM, John Singleton Copley

這幅畫描繪了1778年4月7日英國下議院中，威廉·匹特爵士在發表，支持和美國獨立革命派達成和平協議的演講後，於上議院倒下的場景。

為了保持他曾經建立的帝國，匹特要求達成任何不完全獨立的協議。他再次站起來反駁杜克·里士滿將美國殖民地獨立的提議，但卻在此時心臟病發作。匹特的三個兒子、女婿（馬洪勳爵）和坎伯蘭公爵以及波特蘭公爵，圍繞在周圍支持他。然而，匹特並未康復，一個月後在鄉間別墅去世。

坐在匹特身旁的卡姆登伯爵，在一封致格拉夫頓公爵的信中描述了這一幕：“他倒回到座位上，所有人都看到他快死了。這讓整個議會陷入混亂….即使那些可能對意外感到秘密高興的人也假裝感到悲痛，除了坐得很平靜的曼斯菲爾德伯爵。”

美國畫家柯普利效法同胞本傑明·韋斯特的做法，將傳統歷史繪畫中的高情感和宏偉手勢運用到當代事件中。繪畫直接，基於個體研究，但在劇場般的構圖和燈光上有相當程度的自由。這幅畫在1781年展出時引起了很大的爭議。

THE TRIAL OF QUEEN CAROLINE, 1820

1820年的「卡羅琳王后的審判」其實並非正式的審判，而是一場關於議案的議會辯論，旨在授予國王離婚權。

卡羅琳與喬治四世分居後，一直在英國生活，直到1814年才前往歐洲和東方旅行。她與意大利男僕 Majocchi 佩爾加米的通奸關係引起了一場醜聞。在1820年1月喬治四世即位後，卡羅琳趕回英國聲稱自己是合法的女王。她受到歡呼的人群歡迎，被稱為「人民的女王」，這些人群憤怒地厭惡國王。

海特的畫展示了審判的第六天，葛雷勳爵質問意大利人馬喬奇，他一再否認對卡羅琳的不端行為有任何記憶。其他著名人物包括卡羅琳自己、她的律師亨利·布魯厄姆和威靈頓公爵，站在左側的包廂下。這場訴訟以妥協收場，卡羅琳被判無罪，但這場訴訟成為摄政時期最后一場政治盛事之一，為當時極度党派化的英格兰提供了一個轟轟烈烈的大戲。

Charles Dickens 查爾斯·狄更斯

Charles Dickens 查爾斯·狄更斯！！！
維多利亞時代英國最偉大的作家，生活見長的作家，父親因債務問題入獄後，狄更斯離開學校進入工廠工作。或許是由於這段經歷而看盡人情冷暖，狄更斯的作品流露出對底層社會生活狀態的體悟，與為兒童權利與教育的關注。著名作品有《塊肉餘生錄》、《遠大前程》、《孤雛淚》、《尼可拉斯·尼克貝》和《小氣財神》與《雙城記》等。今(2020)年，正好是狄更斯150年冥誕，而畫中的青年則是正出版《尼可拉斯·尼克貝》的狄更斯～

當時看到這張畫就莫名被美色吸引，心想：「好清秀的男孩子～」

一開始看到名字也還沒有反應過來，只覺得「噢！是『維多利亞時期最偉大的作家』呢！」

「emmm…!?!??!?!」

是你？慘綠少年的狄更斯啊！XDD

WWI 第一次世界大戰 肖像群像

1918年，就在11月11日的停戰協定之前，一位當地藝術商給倫敦國家肖像畫廊的主管詹姆斯·米爾納打電話，商討一位客戶想要委託兩幅寫生大小的畫作，以紀念陸軍和海軍在結束第一次世界大戰中所扮演的角色。這位客戶是南非的政治家和金融家亞伯拉罕·貝利爵士。貝利希望這個委託能夠表彰“作為拯救帝國手段的偉大士兵”和“在勝利中也發揮了同等重要作用的勇敢水手”。

他希望能夠展示“帝國的政策在殖民地方面是如何成功的”。米爾納和圖書館董事會主席迪隆勳爵建議另外委託第三幅畫作，以向那些參與戰爭的英國政治家致敬。貝利同意了這個建議，並提供每幅畫作5000英鎊的報酬，並表示完成後將全部捐贈給國家肖像畫廊。這個委託很成功，而這些作品 – 阿瑟·斯托克代爾·科普爵士的《第一次世界大戰海軍軍官》，約翰·辛格·薩金特的《第一次世界大戰將軍》，以及詹姆斯·葛斯瑞爵士的《第一次世界大戰政治家》 – 今天仍然是該畫廊的館藏之一。

儘管費用由貝利親自支付，但他同意信託基金會決定由誰繪製及描繪誰的肖像。他唯一的要求是要有各自治領的政治家，並且必須盡快完成以便在全帝國內立刻再版及分發。信託基金會決定描繪所有領先的英國軍事和海軍領袖是容易的，但選擇政治家卻更加困難。最終，綜合考慮到一個畫布上只能容納一組真人大小肖像的空間有限，決定只描繪在戰爭爆發和結束時擔任職務的自治領和英國文職領袖。這些領袖包括澳大利亞、加拿大、紐西蘭的總理，以及英國的首相、外交大臣、戰爭秘書和海軍軍政大臣。由於他們在兩個戰時聯合政府中的成員資格，還增加了英國保守黨和工黨的兩位領袖，這使得肖像的總人數在這個階段達到了十六人。

完成的畫作呈現了十七位人物在一個巨大的大廳中聚集在一起，兩側有多利克柱，站在勝利女神雕塑的陰影下。1924年，當Guthrie 開始繪畫這幅畫時，他直面猶豫的原因：如何創作一幅超越會議室肖像的現代史詩，將獲得可識別的相似之需求與同樣迫切的製圖需求相調和。他的解決方案與委託本身一樣具有雄心壯志，涉及有意識地回歸巴洛克式國家肖像的傳統。像Sargent和Cope一樣，他最初把他的構圖構想為一個簡單的長方形，但與他們不同的是，他為了繪畫效果而做出了激進的改變。當Sargent發現從他的將軍們的卡其制服中得到任何效果都很困難，只是把他的模特排成一排，如實地繪畫他們時，Guthrie採取了更嚴肅的方式來完成他的任務。

完成研究但在正式開始作畫前，Guthrie 進行了兩次研究之旅。他前往荷蘭研究荷蘭肖像群，並前往西班牙，在普拉多博物館中花了相當多的時間研究和欣賞了貝拉斯克斯的作品。荷蘭繪畫的例子鼓勵和影響了Guthrie的作品，無論是其格式還是其執行：當時的評論家將光線如何落在人物面部的特徵上與哈爾斯和林布蘭的早期荷蘭肖像群相比較。創造虛構背景的挑戰的解決方案並不來自外部影響，而是來自Guthrie在小油畫草圖中提出的一個想法的發展。

當時畫作完成時，邱吉爾的聲譽還未從他與1915年達達尼爾海峽災難性海軍進攻事件恢復。在右邊，賈巴爾·赫伯特·基奇納站在陰影中，與其餘的人略有分離，這個位置可能是因為基奇納的肖像是死後留下的，他已於1916年在他的巡洋艦HMS漢普郡上遇難。

在其他政治家的臉上，所有人的形象都是根據實際人物進行研究的，有助於保持畫面的生氣。該畫本身得到了普遍的好評。一些評論家稱其為“卓越的成就……不需要擔心來自林布蘭或任何荷蘭大師的競爭”，是一個技藝高超的作品，使政治家們具有詩意的魅力，但其他人則認為這是古瑟里最不成功的成就，顯示出“疲勞的跡象；頭部的比例失調，缺乏空間廣度”。無論如何，這是藝術家在他的生命的最後十一年中的焦點，被大多數人認為是他卓越職業生涯的巔峰之作。

英國皇室

近代名人一覽 part 2

有趣的是，藝廊的紀念品區還有販售繪畫材料喲～

2023 Reopen！

「啟迪人物計畫」正在改造國家肖像畫廊，該計畫由Jamie Fobert建築師設計，得益於Blavatnik家族基金會、國家彩票遺產基金、Garfield Weston基金會和Ross基金會的重要捐款，計畫包括完全重新展示收藏品，結合對建築物的重大整修，創建公共空間，更友好的訪客入口和公共廣場以及一個新的學習中心。

為了完成建築計劃，位於聖馬田廣場的畫廊於2020年春季對公眾關閉。自那時以來，「啟迪人物計畫」已經見證了畫廊最廣泛的活動計劃，與英國各地的博物館、社區和學校合作，吸引了新的當地、區域和網絡觀眾。我們的國家和國際計劃也見證了數百幅肖像畫穿越世界，我們繼續盡可能廣泛地分享我們的收藏品。

為了保證入場，請提前預訂免費門票！

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TATE BRITAIN 跟 TATE modern 是兩家分別獨立的美術館喲！（別搞混啦！）

TATE BRITAIN 簡介

• 開放時間：週一～週日 10:00-18:00
• 鄰近車站：Pimlico 站（Victoria line）
• 官網：https://www.tate.org.uk/visit/tate-britain

泰特美術館分為四個獨立展館：泰特美術館、泰特現代美術館、泰特利物浦美術館和泰特聖艾弗斯美術館。

Tate Britain是泰特美術館系列最早的展館，位在倫敦Millbank，以收藏19世紀英國繪畫和雕塑（19世紀末英國製糖大亨Henry Tate亨利·泰特爵士贈送給國家）為主，與一些來自國家美術館的繪畫。當代的藝術收藏品現在也以被該館列入了收藏範圍。

19年11月2日，

晨間，BBC主播預報了今天的強風細雨，「another rainy day!（又是一個灰濛濛的倫敦）！」好似從落地窗灑進的陽光不過是Apollo曖昧的玩笑。這樣個不惹人喜愛的天況，讓我決定好好的逛一趟離家不遠的Tate Britain美術館。畢竟，有什麼比在大雨天躲進藝術裡更浪漫的事呢！
Miss.J

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特別的是，美術館內隨意的設置了畫板、紙張與畫具，讓參觀者好好地坐下來觀察、紀錄當時的感受，不用自己背著用具、準備板凳（大英博物館就能遇到自備齊全的素描者），也可以愜意的在此作畫！接下來，分享一些館內收藏，館內也會舉行定期特展，大家可以關注 Tate官網。

A Man in a Black Cap

這幅畫是Tate Britain第一幅收藏「A Man in a Black Cap」(1545)，由John Bettes都鐸王朝期間畫家所繪，他以人物像為名。有趣的是，你看出來畫中的人物才26歲嗎？

這幅畫的背景原本是深藍色，這是Holbein常用於他的畫背景的一種色調。然而，Bettes在這裡使用了一種叫做smalt的顏料，它基本上是由研磨玻璃製成的，容易受到光線影響而不可逆地變成棕色或灰色。這幅畫在18世紀被記錄在薩福克郡的Brome Hall收藏中，這個收藏家族與亨利八世的醫生William Butts有關，而亨利八世的宮廷畫家Holbein曾經為Butts及其妻子畫過肖像畫。

有人認為這幅畫描繪的人物可能是Butts的第三個兒子Edmund，他在1516年之後出生，並在1545年繼承了父親的財產，這幅畫上也標著了1545年的日期。此外，根據說法，棕色通常被認為是穩固的、可靠的、安全的顏色，但也可能帶來孤獨、悲傷和孤立的感覺，當它以大量出現時，它可能會顯得廣闊、荒涼，就像一片沒有生命的巨大沙漠。

The Cholmondeley Ladies

「The Cholmondeley Ladies」 十六世紀畫作，畫家佚名。畫作左下角（被單上）說明了畫中故事：兩位同日出生的女性（twins），在同一天結婚、同一天生產。雷同的兩人卻有細節上的差異，例如姐妹倆（與其嬰兒）不同的瞳色（藍與棕）、飾品寶石、服裝蕾絲等，構成一幅充滿趣味性的畫像。

The Death of Major Peirson, 6 January 1781 
John Singleton Copley  (1783) 

非常動態的作品，可以近距離感受砲火煙硝瀰漫的緊張，以及畫中人物一系列幾秒內的反射動作（法國的攻堅–>少校之死–>黑人士兵的反擊）。描寫1781年英國Jersey被法國突襲的狀況，在少校Peirson的帶領下反敗為勝的故事。在沒有新聞直播、收音機的時代，整幅構圖為畫家自己對戰場的想像。畫面正中央為光榮犧牲的少校，而黑人士兵的身份有時被稱為「Pompey」是少校的侍從，但當代評論家表示這可能是畫家Copley，想展現大英殖民地人民對英國的效忠所虛構之人物。

『畫作補充』

《皮爾森少校之死，1781年1月6日1783》是美國出生的畫家JS Copley的一幅大型油畫，展示了一場小廣場上的激烈戰鬥場面。畫面中央，身穿紅色制服的英國士兵支撐著受傷的領袖弗朗西斯·皮爾森少校（1757-1781）的身體。皮爾森的血跡斑斑的白襯衫在士兵鮮艷的紅夾克衬托下非常顯眼，他們用一面巨大的翻飛的聯合旗幟托著他，旗幟背後是部隊的團旗，只有上角的小聯合旗可見。在右前景中，一位母親試圖帶著嬰兒和孩子逃離戰場。金色的雕像也可在旗幟下方看到。在這群人的左邊，一個穿著制服的黑人顯然在向剛剛殺死皮爾森的法國軍隊還擊。在一群紅衣英國士兵的中間，這個人穿著海軍背心、銀色肩章和一頂帶有不同顏色鴕鳥羽毛的獨特帽子。這個黑人的真實身份並不清楚，這幅畫像可能是基於一個真實人物的形象。Copley的許多同時代人都是奴隸主或在他們的家庭中擁有黑人僕人。Copley自己在馬薩諸塞州波士頓的家庭中，據稱也有一個非洲兒童奴隸。

Copley的畫作讚美了皮爾森，慶祝英國的勝利，這在他頭上高高舉起的聯合旗幟中得以體現。當時，英國殖民軍在美國獨立戰爭中幾乎已經失去了他們的美洲殖民地，儘管這只是一場小規模的戰鬥，但這場勝利在象徵上對恢復英國帝國的信心起了很大作用。事實上，版畫家兼印刷商約翰·博德爾委託科普利（自1774年搬到倫敦以來已經因《查塔姆伯爵在上議院崩潰》（1779-81，泰特N00100）而聲名大噪）在戰鬥之後立即創作這幅畫，以利用這一時刻。科普利因此在他的作品中創造了一個幻想。這幅畫的宣傳目的顯然很成功-當它在1784年5月首次向公眾展出時，許多人湧來觀看，根據當時的一位評論家所說，“讚美之聲達到了白金漢宮”。

Three Ladies Adorning a Term of Hymen
Joshua Reynolds （1773）

這幅畫由Reynolds，18世紀英國著名畫家繪製。皇家學會及皇家文藝學會成員，皇家藝術學院創始人之一及第一任院長，以其肖像畫和「雄偉風格」藝術聞名（維基百科）。18世紀英國繪畫主題崇尚“歷史事件”，畫家紛紛從聖經、戰爭、神話中來尋找素材，然而多數畫家畢竟還是得靠“賣畫”維生，這幅畫作便是託人所畫（中間少女的未婚夫），右方少女為已婚的大姐，中間則是訂婚的二姐，左下角為待嫁閨中的小妹，而Reynolds為了讓畫作更添“歷史”氣息，則添加了一些雕像、佈景來裝飾。

這幅畫描繪了貴族蒙哥馬利三姐妹，芭芭拉、伊麗莎白和安妮正在用花裝飾雕像希美尼（Hymen），希美尼是希臘神話中婚姻和生育之神。她們常被暱稱為“愛爾蘭的優雅”。三姐妹的姿勢更常與優雅的女貴族肖像畫相關聯。這幅畫是由伊麗莎白·蒙哥馬利的未婚夫盧克·加德納（Luke Gardiner）委託製作的。雷諾茲寫信給加德納，保證這幅畫將是他所繪製的最好的畫作。

人物畫 (Joshua Reynolds & Thomas Gainsborough)

Thomas Gainsborough (右畫)是一位英國肖像畫及風景畫家。他是皇家藝術研究院的創始人之一，曾為英國皇室繪製過許多作品，並與競爭對手Joshua Reynolds （左）同為18世紀末期英國著名肖像畫家（維基百科）。右邊Gainsborough的畫作以義大利巴黎舞者為主角，可以比較出他與Reynolds的畫風差異，Gainsborough筆觸更為飄逸靈動，顏料厚度淺，這可能與他習慣距離畫作2米作畫有關（自製超長畫筆），而Reynolds的人物則多一分莊嚴肅穆，濃厚的上色顯出衣料的質感。此外，與Reynolds有助手幫忙不同，Gainsborough一手包辦整幅畫作。

Past and Present Augustus Leopold Egg (1858)

這系列很有意思，3幅畫道出一個故事：第一幅，丈夫回家後發現不忠的妻子，以及妻子趴在地上請求原諒的場景，畫作中有許多小細節，例如背影中亞當與夏娃的畫作、吃了一半的蘋果、兩個小女兒手中搖搖欲墜的玩具房…。第二幅，幾年後父親去世，長大的兩女孩兒成為了孤兒，她們望向窗外的月亮，想到被趕出家門的母親。第三幅，同樣一個晚上，衣衫襤褸的母親露宿街頭，她懷中還露出幼童的雙腳…。

Chatterton Henry Wallis(1856)

畫中主角Thomas Chatterton (1752-70)，18世紀詩人因為失意於17歲時服砒霜自盡（1774年歌德的少年維特的煩惱，更是帶出一批少年為浪漫自殺潮）。非常有震懾力的畫作，很喜歡Wallis戲劇性的構圖，蒼白的少年、豔紅的捲髮、突兀的紫藍長褲、右下方撕碎的稿子、窗外的教堂屋頂…似乎他也只是沈沈地睡著了。Henry Wallis前拉斐爾畫風（Pre-Raphaelite）主義，主張回歸到15世紀義大利文藝復興初期的，畫出大量細節、並運用強烈色彩的畫風。

Chatterton是Wallis最早且最著名的作品，該畫作於1856年首次在皇家美術學院展出，並附有Marlowe的以下引用語：「那本可以生長得筆直的枝幹被削去了，阿波羅的月桂樹被燒毀了。」 Ruskin在他的《美術學院筆記》中將這部作品描述為「無可挑剔且奇妙的」。

Thomas Chatterton（1752-70）是18世紀的詩人，浪漫主義人物，他的憂鬱情緒和早逝的自殺方式引起了眾多藝術家和作家的想像。他以Thomas Rowley的名義寫了一本詩集，假冒成15世紀的修道士手稿，該手稿抄在羊皮紙上。他放棄了第一份在文具店工作的工作，試圖靠詩歌謀生。1770年6月，他搬到了Brooke Street 39號的閣樓房間，他在那裡生活貧困，幾乎快餓死了，直到同年8月，年僅17歲，他用砒霜自殺。他在他的有生之年被像作家Horace Walpole（1717-97）等有影響力的人物譴責為偽造者，但後來被法國詩人Alfred de Vigny（1797-1863）提升為悲劇英雄的地位。

Carnation, Lily, Lily, Rose
John Singer Sargent （1885-1886）

如夢似幻，精靈般的孩子把玩著東方燈籠，在花叢中宛如化外之境。在紀念品區也可以看到許多這幅畫的周邊商品，可見他的受喜愛程度！

John Singer Sargent是位美國藝術家，因為描繪了愛德華時代的奢華，所以是「當時的領軍肖像畫家」。他在一生中創作了900幅油畫，2,000多幅水彩畫，以及無數幅素描畫、炭筆畫。畫作描繪了他遊歷世界各地時的所見見聞（維基百科）。

這幅畫的靈感來源於Sargent在泰晤士河的Pangbourne進行的划船探險活動，當時他與美國藝術家Edwin Austin Abbey一起，看到了掛在樹和百合花中的中國燈籠。他在巴黎搬到英國的F.D. Millet畫家家中逗留期間開始了這幅畫。最初，他使用Millet五歲的女兒Katharine作為模特，但很快被Frederick Barnard的女兒Polly和Dorothy（Dolly）Barnard替換，因為她們擁有Sargent所尋找的完全的頭髮顏色。 Dolly，11歲，站在左邊; Polly，7歲，站在右邊。劍橋的福格博物館的一個素描本中，包括Sargent為這幅畫的輪廓設計，而泰特美術館的兩幅畫則記錄了他為女孩的側面所要求的精確姿勢。

他在1885年9月至11月初和1886年夏天，在新家Russell House, Broadway的Millet家中重新開始繼續創作，這是他在印象派風格下創作的少數幾幅人物畫之一，完成於10月份。 Sargent每晚只能工作幾分鐘，這些時間需要光線完美，他會預先放置畫架和顏料，並擺好模特的姿勢，為了在黃昏時刻描繪這種略帶紫色的光線。隨著秋天來臨，花朵凋謝，他被迫用人造花來代替。他的朋友Edmund Gosse記錄了Sargent的工作方法。

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畫作欣賞

從16世紀到20世紀，從古典肖像、抽象到現代藝術，還有很多喜歡的作品無法一一介紹，有機會可以來Tate Britain來細細欣賞真跡！

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TATE BRITAIN 跟 TATE modern 是兩家分別獨立的美術館喲！可以來看看他的兄長museum篇 – Tate Britain ！

• 時間：週日～四10:00-18:00，週五、六10:00-22:00
• 地址： Bankside, London SE1 9TG
• 官網：https://www.tate.org.uk/visit/tate-modern

相關篇章：大英博物館、V&A博物館、National Gallery、Tate Britain、Tate Modern、National Portrait Gallery、Somerset House、自然史博物館

Tate Modern相對TATE BRITAIN大得多（分為兩側），參觀的人潮也相應多。下午，一場突如其來的雨，讓路上行人紛紛躲進了Tate Modern美術館，感受現代藝術的多元表現。Tate Modern館藏豐富，從抽象畢卡索、印象莫內到達利、達達主義，很適合一來再來慢慢欣賞：）以下，就淺顯的分享一下Tate Modern裡的藝術典藏吧！（定期也會舉辦各式展覽，請持續關注官網）

這次weeping woman沒有展出來!!!下次一定好好見到到她！

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Fons Americanus

（上圖左）一進美術館就能看見正在展出的Fons Americanus Kara Walker，三層樓以上的高度近距離觀看非常震撼，很多人坐在水池邊休息（一旁邊的標示語倒顯詼諧：「請勿觸碰或飲用池水」）。


美國知名黑人女藝術家Kara Walker在倫敦Tate Modern美術館展出的最新創作噴泉雕塑，以白金漢宮前維多利亞女王雕像為靈感，背後有發人深省的寓意，推出後受到熱議與好評。

這個名為Fons Americanus，高13公尺的噴泉，有兩層的水池，Kare Walker藉此探索非洲、美國及歐洲互聯的歷史，她以水作為主題，意指跨大西洋的奴隸交易，以及這三個大陸的人民的野心、命運和悲劇。

近看這座噴泉雕像，最上方的女主角的噴水口安排在被割開的喉嚨和一對豐乳，池中有險惡的鯊魚，在小船上掙扎的男子，她同時引用1840年英國著名畫家特納（JMW Turner）所畫奴隸船（Slave Ship），製作一個帆船雕塑，穿著英軍軍服的軍官等，盡顯對大英帝國的批評。

該雕塑於2019年末至2020年初被安置在泰德現代美術館的渦輪大廳內，並在該處被毀。

Meredith Frampton Portrait of a Young Woman（1935）

好喜歡風格！儘管他的上色手法傳統，在構圖上卻有著強烈的現代感。

由英國畫家 梅里迪斯·福蘭普頓 (Meredith Frampton) 於 1935 年創作的《年輕女子肖像》（Portrait of a Young Woman）。這幅畫展現寫實主義美學，畫中模特兒瑪格麗特·奧斯丁-瓊斯在冰冷而均勻的光影下呈現出一種非自然的靜謐感。畫中女子所穿的優雅洋裝，其實是畫家母親根據當時《Vogue》雜誌的紙型親手縫製而成，而桌上那只造型獨特的白色花瓶，更是畫家為了追求理想構圖而親自設計並上漆的木製品。

極度精準且理性的風格，屬於戰間期追求「秩序回歸」的藝術運動。畫面中央的大提琴不僅象徵了模特兒的音樂才華，其琴弦與琴弓的細部描繪更是精準。福蘭普頓刻意過濾掉所有情緒的起伏，使整件作品籠罩在一種超現實的、真空般的氛圍中，這種對物件細節的痴迷與對秩序的執著，反映了當時社會在動盪後對穩定的渴望。由於追求極致導致產量極少，加上後來因視力衰退而封筆，這幅作品不僅是泰特不列顛的瑰寶，更是藝術史上寫實主義與現代感官交織的巔峰之作。

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Piet Mondrian Composition B (No.II) with Red （1935）

講到現代藝術、表現主義怎麼能不提Piet Mondrian(蒙德里安)！蒙德里安是荷蘭畫家，風格派運動幕後藝術家和非具象繪畫的創始者之一，對後代的建築、設計等影響很大。自稱「新造型主義」，又稱「幾何形體派」。相信大家對他的作品應該不陌生，紅藍黃色塊與黑白線條的幾何構成，如今被大量用在各種二創設計等等。

相對於蒙德里安那些被印在時尚大衣或皮夾上、色彩斑斕的經典作品，這幅 1935 年創作的《B號紅色構圖》顯得極為冷靜且肅穆，標誌著他在定居倫敦前夕，對於「新造形主義」（Neo-Plasticism）最純粹、也最接近精神性的探索。

在這幅畫中，僅在左上角保留了一塊鮮豔的紅，其餘空間則交給了不同比例的白與黑。那些黑線並非單純的「框」，而是他眼中的「顏料平面」，它們以不對稱的節奏切分畫布，創造出一種「動態的平衡」。有趣的是，如果近距離觀察，會發現看似冰冷的線條其實充滿了手感與呼吸感，蒙德里安刻意留下的筆觸與不均勻的黑色寬度，打破了機器般的精準，讓畫面在絕對的幾何秩序中，流露出一種手工藝的溫度。

1930 年代中期的倫敦，對於蒙德里安而言是個充滿轉折的避風港。當時他為了躲避納粹對「墮落藝術」的打壓，從巴黎遷移至倫敦漢普斯特德（Hampstead），並與英國前衛藝術家如亨利·摩爾、芭芭拉·赫普沃斯比鄰而居。這幅作品正是他這段「倫敦時期」美學的縮影：在動盪的世界局勢下，試圖透過直線與原色的平衡，尋找宇宙中永恆且和諧的秩序。

Man with a Newspaper

我很喜歡的一幅作品! 明明看似是一個極為簡單的日常，卻透漏出一絲詭譎的氛圍

雷內·馬格利特於 1928 年創作的 《閱讀報紙的男人》 (Man with a Newspaper)，是倫敦泰特現代藝術館中最令人感到「不安」的超現實傑作。馬格利特的死板風格在這四幅簡單的畫面中清晰可見。每個部分似乎完全相同，除了閱讀報紙的男人消失了。四個面板之間有輕微的透視變化。透過關注窗外的景色，這一點可以看出來。這種轉換增加了這幅畫的稍微不安定的效果。這可能與早期3D觀看設備中圖像的位移有關。這種微妙的顛覆日常生活的方式是馬格利特和他的比利時超現實主義同事的典型。他們更喜歡安靜的顛覆而不是明顯的公共行動。

馬格利特透過這種極致的重複與突兀的「缺失」，展現了超現實主義中的「詭譎感（Uncanny）」。

Salvador Dalí Lobster Telephone (1936)

薩爾瓦多·達利（Salvador Dalí）於 1936 年創作的《龍蝦電話》（Lobster Telephone），是倫敦泰特現代藝術館最具著名的作品之一。

作品將冰冷的現代通訊科技與充滿原始欲動的生物強制結合，創造出一種令人不安卻又難以移開視線的視覺張力。對達利而言，這荒誕的玩笑，是他「偏執狂批判法」（Paranoiac-critical method）的體現——透過將完全不相關的物件強行並置，揭示隱藏在文明外殼下的潛意識渴望。

這件作品起源於達利為其重要贊助人愛德華·詹姆斯（Edward James）設計的室內裝置。1942 年出版的自傳 《達利的秘密生活》（The Secret Life of Salvador Dalí），達利曾語帶嘲諷地在自傳中問道：

「我不明白為什麼當我在餐廳點烤龍蝦時，服務生從未送上一支煮好的電話；我也同樣不明白，為什麼香檳總是冰鎮著，而電話——這些平時摸起來總是燙手且黏糊糊的東西，卻沒有被放在盛滿冰塊的銀色冰桶裡。」

（原文：I do not understand why, when I ask for a grilled lobster in a restaurant, I am never served a cooked telephone; I do not understand why champagne is always chilled and why on the other hand telephones, which are habitually so frightfully warm and disagreeably sticky to the touch, are not also put in silver buckets (…)）

最令人感到「詭譎」的細節在於，龍蝦的尾部（即其生殖器官所在位置）正好對準了電話的收音孔，這意味著當人們試圖進行文明的溝通時，雙唇必須被迫貼近這隻原始、充滿感官刺激的甲殼類動物。這種將食物、溝通與欲望交織的手法，成功地將平凡的日常用品轉化為一件充滿威脅感卻又令人神往的藝術裝置，成為二十世紀最著名的超現實物件。

Salvador Dalí Autumnal Cannibalism （1936）

Salvador Dalí （薩爾瓦多·達利）著名西班牙畫家，因其超現實主義作品聞名，他與畢卡索和米羅一同被認為是西班牙20世紀最有代表性的3個畫家。

達利是一位具有非凡才能和想像力的藝術家，達利因為人們觸目驚心、與夢相關的超現實主義畫面所熟知。達利的超現實主義風格強烈，融化的人類軀體、螞蟻、支架、流淌的時鐘，詭譎的夢靨，小時候的我真是對達利的畫作又怕又愛呀。

達利 1936 年的作品《秋天的食人行為》（Autumnal Cannibalism），是他在西班牙內戰爆發後對家國自殘最殘酷的視覺隱喻。畫面中一對男女在深情擁抱的同時，正用刀叉優雅且冷靜地分食彼此的肉體。對達利而言，戰爭並非抽象的政治，而是一場集體的「食物狂亂」——同胞如食人族般在金黃秋色下自我消融。頭上那顆平衡的蘋果，則透過威廉·泰爾（William Tell）的神話暗示了父子同室操戈的荒謬，將毀滅轉化為一種令人不寒而慄的生理性消遣。

這幅畫目前也是倫敦泰特現代藝術館（Tate Modern）的重要館藏。

Pablo Picasso The Three Dancers（1925）

西班牙著名的藝術雕塑家、版畫家、舞台設計師及作家，出名於法國，和喬治·布拉克同為立體主義的創始者，是20世紀現代藝術的主要代表人物之一，遺作逾兩萬件。畢卡索是少數在生前「名利雙收」的畫家之一。與達達主義Marcel Duchamp（馬塞爾·杜象）和野獸派Henri Matisse（亨利·馬蒂斯），為三位在二十世紀初期開始造型藝術革命性發展的藝術家。

Picasso，重新定義角度與形體的革新者。黑白色調的「格爾尼卡」（Guernica）控訴戰爭的殘暴無情、打破角度的「亞維農的少女」、濃重憂鬱的藍色「悲劇」、與少女間的純愛「夢」等，展現出不同時期、心境的畢卡索。

The Three Dancers強調了暴力與性，畫中是三位芭蕾舞伶的彩排，而畢卡索也正面對朋友Ramon Pichot的去世。Pichot的死讓畢卡索想到二十多年前往事，那時Pichot與其朋友Carlos Casagemas一同愛上了美麗的Germaine Gargallo。一直得不到回應的Casagemas最後在射殺 Gargallo後舉槍自盡（當時他20歲）。這段回憶顯現在這幅作品上，扭曲的人物角度、刺目的色彩加上厚重的上色，都表現出其中暴力的情感。

Claude Monet Water-Lilies (after 1916)

Claude Monet莫內，法國畫家，印象派代表人物及創始人之一，「印象」一詞即是源自其名作《印象·日出》。莫內擅長光與影的實驗與表現技法，最重要的風格是改變了陰影和輪廓線的畫法，在其畫作中沒有非常明確的陰影，亦無突顯或平塗式的輪廓線。此外，他對於色彩的運用相當細膩，曾長期探索實驗色彩與光的完美表達，常在不同的時間和光線下，對同一對象作多幅描繪。

《睡蓮》（Les Nymphéas）法國印象派畫家莫內所繪的系列油畫作品，總共約有250幅，創作花費了莫內晚年的大部分時光，且繪成於莫奈罹患白內障時期。睡蓮組畫是莫內晚年作品的一個成熟系列，也更進一步成就了他印象派大師的名號。

1890年間，莫內在Giverny的家中設置了個日式風格水中花園，而這裡便成了他的“室外畫室”，池塘上飄蕩著的睡蓮也因此成為莫內畫中主角首選。睡蓮系列也成就了莫內對於自然光影的詮釋，與對環境變化的追尋。站在畫前，你可以感受到池水緩緩蔓延、浸染整面白牆，睡蓮沈浮沈浮地隨著水波搖曳，莫內的睡蓮是無法用畫框限制住的，最安逸平緩的畫面有著最強而有力的生命力度。

莫內起初只是觀賞睡蓮，後來漸漸產生了創作的衝動——「池裡的精靈浮現在我眼前，我舉起了調色板」，就這樣一幅幅睡蓮畫作誕生了，睡蓮成了他晚年繪畫的主題。如今這些睡蓮畫作散落在世界上千個大美術館、博物館，流到市場上的作品也被各國收藏家爭相購買珍藏。

畫作欣賞 Deification of a Soldier

畫作欣賞 The Autobiography of an Embryo

畫作欣賞: 白色

二十世紀初，一些作家開始只用白色來作畫，單一的色彩是表現抽象概念的重要方式。白色可以表現出一種極致與純粹、不受畫面框架，畫家運用陰影、畫紙媒材來呈現不同的哲學思想或態度。

畫作欣賞 Bridget Riley

Bridget Riley透過觀察光影，產出色彩的各種拼接吸引大家在洞察力的物理性過程。

畫作欣賞 Red on Maroon

克萊因藍 International Klein Blue

相片、裝置作品

Marcel Duchamp 1887–1968

馬歇爾·杜象 (Marcel Duchamp) 美籍法裔畫家，二十世紀實驗藝術的先驅，被譽為「現代藝術的守護神」。其作品對於第二次世界大戰前的西方藝術有著重要的影響，達達主義及超現實主義的代表人物之一。他於15歲開始繪畫，受立體主義、觀念藝術、達達主義影響。作品多顯示反戰、反傳統、反美學。

這也是他稱為「現成物」的系列作品之一。杜象在《噴泉》這件作品中使用了在紐約第五大道118號的J·L·莫特鐵工坊連鎖店購買的貝德福郡型陶瓷小便斗，將其命名為「噴泉」並署名「R. Mutt 1917」簽名字樣。

達達主義 是一場興起於一戰時期的蘇黎世，涉及視覺藝術、文學、戲劇和美術設計等領域的文藝運動，是20世紀西方文藝發展歷程中的一個重要流派，是第一次世界大戰顛覆、摧毀舊有歐洲社會和文化秩序的產物。達達主義作為一場文藝運動持續的時間並不長，波及範圍卻很廣，對20世紀的一切現代主義文藝流派都產生了影響。

Atlantic Civilisation

這幅圖像充滿了與腐敗有關的對立敘事，源於殖民主義、階級和資本主義。透過插畫中的殖民降落傘兵和返回哀悼者的棺材，以及亞洲婦女和死去孩子的對比，提到了法國在印度支那的殖民戰爭。最後一張圖像引用了巴黎著名畫家毕加索（Pablo Picasso，1881-1973）1937年的壁畫《格爾尼卡大屠殺》（Reina Sofia博物館，馬德里），該畫作象徵了戰爭對平民的代價。此外，圖中還暗示了其他法國殖民政策的後果：透過一名黑非洲的孩子擦鞋和一些阿爾及利亞移民躲在波紋鐵板下的描繪，呈現了黑非洲和北非的征服。Fougeron在他的“恥辱三聯畫”中重複使用了這個特定細節，而《Sakiet III大屠殺》（泰特T07706）就是其中的一部分。在《大西洋文明》中，Fougeron通過展示老人被遺棄在長椅上、母親和孩子住在帳篷中、以及一圈被工業污染包圍的孩子，來探討更一般的對家庭生活崩潰的恐懼。這些對比之所以存在，是因為階級差異的強調，例如把阿爾及利亞人和中產階級孩子的隱蔽空襲庇護所並排放置，或者是在寵物狗旁邊，穿著背心的擦鞋工。

Fougeron認為，腐敗的根源在於美國推廣的戰後文化，也就是資本主義消費主義和軍國主義的體現。這個作品的中心是一輛巨大的美國汽車，旁邊是一個身穿制服的美軍，腳懶散地放在法國咖啡館的桌子上，閱讀著軟色情雜誌。以渾然天成的資本主義國家美國為代表，而法國則以肥胖的商人的形象向這輛車致敬。第二名士兵的細節，越過汽車開槍的樣子，確認這些象徵暗示著法西斯主義，因為他的德國頭盔上印有納粹突擊隊SS的標誌。而在這一切上方高聳著美國用來處決以艾瑟爾和朱利葉斯·羅森堡夫婦為代表的間諜罪名被判刑的電椅，該事件發生於1953年6月。由於他們被指控出於良心向蘇聯洩露核密碼，而不是為了經濟利益，所以在政治左派看來，他們是一個有原則的和平運動的代表。這個細節與空襲防空洞裡的孩子們形成對比，以強調定義了冷戰極端化的核威脅。

海報視覺作品

每期展出來的作品都有不同，適合有半天空閒時的好去處，樓下也有咖啡廳、餐廳等，休息一下，繼續前進！

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• 時間：週五10:00-22:00，週六-四10:00-17:45(常規展區17:30禁止入內)
• 地址：Cromwell Rd, Knightsbridge, London SW7 2RL
• 最近tube站：South Kensington（District and Central line）走地下道可以直接通道博物館，下雨天時非常方便
• 官網：https://www.vam.ac.uk/

全球公認的設計與工藝殿堂級美術館，一部橫跨五千年、收錄超過 280 萬件珍寶的人類創造力百科全書。

工藝美術、裝置及應用藝術的博物館，成立於1852年。1899年，維多利亞女王為博物館的側廳舉行奠基禮時，將博物館正式更名為V&A，以紀念她的丈夫艾伯特王夫。館藏以歐洲展品居多，但也有中國、日本、印度和伊斯蘭藝術和設計的收藏，展品大部分陳列在南肯辛頓的主樓或倫敦東區的童年博物館（Museum of Childhood）中。博物館為世界上首家提供煤氣照明的博物館，並且率先開設了餐廳。

步入V&A ，你可以在 Madejski 花園 捕捉光影，或在全球首間博物館餐廳啜飲伯爵茶。V&A 不僅展示過去，更定義現代生活，對於追求視覺美感的旅行者，V&A 無疑是倫敦最令人傾倒的美學宮殿。

相關篇章：大英博物館、V&A博物館、National Gallery、Tate Britain、Tate Modern、National Portrait Gallery、Somerset House、自然史博物館

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V&A總共-1~4樓，有當季特展與常駐展區，從16世紀歐洲繪畫到21世紀現代設計，從伊斯蘭地毯到佛教藝術，從時尚潮流到攝影藝術，從銀飾到貴族櫃具等等，不像Tate Britain 以歐洲畫作為主，也沒有 Tate Modern 以現代藝術為大宗。V&A博物館的館藏更多元、地域跨的更廣、時間軸也拉的更長，整體而言雕塑、古時期生活器具的展示會相對繪畫多。

如果你只有短短一天、甚至半天的時間參觀V&A該怎麼欣賞呢？以下，我來幫時間有限的各位羅列幾項V&A必看展品吧！Let’s go！

Glass Chandelier 羅通達吊燈：Level 0 門口

羅通達吊燈 (Rotunda Chandelier) — 由美國大師 Dale Chihuly 創作，V&A Rotunda Chandelier 知名玻璃上色藝術家，在美國完成此系列作品。

這座巨大的藍綠色吹製玻璃吊燈是 V&A 的視覺門面，不僅展現了現代工藝的極限，更像是深海生物般懸浮在古典建築中，是每位遊客入館後的第一個驚嘆號。

Neptune and Triton《尼普頓與特里同》：Room 21, Level 0

Neptune and Triton 1622-23 Bernini, Gian Lorenzo
巴洛克藝術先驅，戲劇性、生命力。雕像人物為海神與他的兒子，當時Neptune手裡並沒有三叉杖（可能在保養）但完全不影響這座雕像的氣勢。少了手杖的Neptune仍震懾著觀賞者們。

這個雕塑群是由著名的意大利巴洛克雕塑家吉安洛倫佐·貝尼尼受派，由亞歷山德羅·佩雷蒂，蒙塔爾托紅衣主教為位於羅馬的蒙塔爾托別墅的花園設計，於1622-23年間完成雕刻。在17世紀和18世紀，這個雕塑群是羅馬最著名的景點之一，許多版畫都展示了它原來的位置，站在蒙塔爾托花園的大魚池（也稱為Peschiera或Peschierone）的上端。這個令人印象深刻的雕塑群最初是複雜的噴泉和瀑布系統的中心，透過海神Triton手中的貝殼噴出一道水柱。有些版畫和參考資料中將Triton錯誤地認定為“Glaucus”（根據神話，一個漁夫變成了人魚 – 半人半魚）。

在古典神話中，海神尼普頓掌管海洋及其居民。他的兒子特里同是一位人魚。尼普頓和特里頓被描繪為極具活力，統治著海洋，我們可以想象到該雕塑組底部周圍的海洋。這個組合可能基於奧維德在《變形記》第一卷（330-42）中對大洪水的描述，特里頓應尼普頓之命吹響海螺以召回水位。然而，它也經常與維吉爾的《埃涅阿斯紀》（第1卷，135頁）中尼普頓未完成的威脅風停止攪動海洋的“Whom I”（我的人）聯繫在一起。

The Three Graces《美惠三女神》：Room 22, Level 0

The Three Graces （美惠三女神）1814-1817, di Canova, Antonio

三位女子分別代表宙斯三位女兒：charm迷人、beauty美麗與joy愉悅。安東尼奧·卡諾瓦 是義大利新古典主義雕塑家，他的作品標誌著雕塑從戲劇化的巴洛克時期進入到以復興古典風格為追求的新古典主義時期。

《美惠三女神》在古典文學和藝術中有著崇高的地位，是朱庇特（希臘神話中的宙斯）之女，也是繆斯女神的伴侶。薩莉雅（青春和美麗）與歐弗羅西涅（歡樂）和阿格萊亞（優雅）一起出現。卡諾瓦在1799年首次描繪了美神，同時也有其他繪畫和雕塑的作品。1810年，他製作了一個泥塑草圖（法國里昂博物館收藏），並於1812年受到約瑟芬皇后的委託製作一個全尺寸的大理石雕像。

這個雕像最初是為位於貝德福德郡沃本修道院的雕塑畫廊製作的，並最初被收藏在一個特別設計的“三美神廟”中。1814年，拜訪羅馬的卡諾瓦的約翰·羅素，貝德福德公爵第六代，被他為拿破崙·波拿巴的離婚妻子約瑟芬雕刻的三美神雕像所吸引。她於當年5月去世，公爵提議從卡諾瓦手中購買這個雕像，但約瑟芬的兒子聲稱這是她的遺物，該版本現在保存在聖彼得堡的埃爾米塔日博物館。公爵向卡諾瓦訂購了第二個版本，這個版本於1814年開始，1817年完成，並於1819年安裝在沃本修道院。這個雕像花費6,000個澤奇尼（相當於3,000英鎊），卡諾瓦也前往英國監督安裝。在這個廟中，雕像放置在一個由早期的大理石基座改造而來的底座上，頂部可旋轉。

現在人們普遍認為卡諾瓦是當時最偉大的歐洲藝術家之一，但自19世紀中期以來，他的聲譽遭受了損害，部分原因是他的作品與古代雕塑之間的問題關係。偉大的德國學者古斯塔夫·瓦根在他於1854年對英國收藏的藝術品進行廣泛調查時悶悶不樂地評論了《美惠三女神》：“然而，無論耀眼的白色大理石的嫵媚和精湛的手工多麼吸引人，頭部的美麗但平淡的特點無法滿足熟悉古代藝術的品味。”

Tippoo’s Tiger《提普的老虎》：Room 41(South Asia) , Level 0

Tippoo’s Tiger《提普的老虎》 , 1790 Unknown

南亞展區的重點木雕藝術，來自南印度，「提普·蘇丹的老虎」是為了南印度的梅索爾（1782-1799年）統治者提普·蘇丹而製。這個幾乎等身的木製半自動機器人由一隻老虎襲擊一個穿著歐式衣服躺臥在地的人組成。

近距離觀察可以發現老虎牙齒戳穿了士兵的脖子，而老虎背上的挖空可以看到其為中空結構。打開老虎上半身的話，可以發現老虎身體裡藏有風琴，當彈奏樂器時，士兵的手臂會因機關而上下擺動、間歇性的聲響被認為是模仿垂死男子的哀嚎聲，宛如垂死前的掙扎。當時印度被英國入侵後，在南印度統治者皇宮的音樂室中發現此作品，於1800年運至英國。


這頭老虎是在1799年攻占錫蘭格帕唐之後，由英國人在Tipu Sultan的宮殿音樂室中發現的。當時，英國軍隊攻破了城牆，造成極大混亂，Tipu Sultan和許多士兵、將領和城鎮居民被殺。勝利的部隊隨後在城市中肆虐，從皇宮和私人住宅中搶劫貴重物品，直到亞瑟·威靈頓上校（後來的惠靈頓公爵）下令絞刑和鞭打，迅速恢復了秩序。

接下來的幾周中，根據當時的慣例，獎品代理商對皇家金庫的內容進行了估值和分配，將東印度公司軍隊的戰利品均分。稍後，老虎在宮殿的音樂室中被發現，並被運往倫敦，於1800年到達東印度公司總部的東印度大廈，該建築設有圖書館和新博物館，很快就成為最受歡迎的展品之一。印度博物館後來幾經遷移，包括Tipu Sultan的老虎在內的部分藏品被轉移到了南肯辛頓博物館，後來更名為維多利亞和艾伯特博物館。

關於提普·蘇丹委託製作老虎的情況尚不清楚，也不確定它的製作日期。然而，它肯定在1792年就已經存在，當時一位名叫詹姆斯·亨特（James Hunter）的英國軍事藝術家在去世前的幾個月為它畫了一張圖。該圖似乎已經失傳，但是它的一份版畫被複製在1800年出版的書籍《回顧與蒙特乍得皇家軍隊對抗蘇丹提普戰爭的起源、進展和結果》中。

Cast Courts：Room 46/46A/46B, Level 0

這一區很特別，羅列了各著名雕刻的高仿複製品，像是義大利佛羅倫斯的David大衛像，這是1857年托斯卡納 (Tuscany)公爵贈送給維多利亞女王的禮物。這裏有許多義大利文藝復興時期的cast雕像。

這件米開朗基羅的大衛雕像的石膏複製品（現藏於佛羅倫斯的阿卡迪米美術館）於1857年被南肯辛頓博物館（現為維多利亞和艾伯特博物館）所獲得。它是由托斯卡納大公贈送給維多利亞女王的禮物，當時大公阻止了國家美術館購買一幅由吉蘭達約創作的意大利文藝復興繪畫的出口。女王隨即把這件複製品贈予博物館，並最初在藝術博物館展出。1873年建造了建築展廳（今天稱為複製品展廳），展出了米開朗基羅的石膏複製品與其他意大利文藝復興時期的偉大複製雕塑。大家可以在這個展區，一覽歐洲雕塑史上最著名雕塑群，欣賞這些氣勢宏偉並令人驚嘆的複製品。

此外，等比例複製的羅馬「圖拉真柱」(Trajan’s Column)，由於展廳高度限制，它被分為兩截展示。這種「複製品也是藝術」的理念，展現了維多利亞時代試圖將全世界的美學帶回倫敦的野心。

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The Raphael Cartoons 拉斐爾圖稿：Room 48A, Level 0

拉斐爾圖稿 (Raphael Cartoons) 是7座大型掛氈，現存於倫敦維多利亞和阿爾伯特博物館，由文藝復興畫家拉斐爾在1515年至1516年完成。目前僅存的10幅畫是應教宗利奧十世的請求而畫於宗座宮殿西斯廷禮拜堂之內。

拉斐爾的《卡通畫》是為了掛毯而設計的，是由教皇利奧十世在1513年當選不久後向拉斐爾委託的。這些掛毯旨在掛在羅馬的西斯廷教堂，該教堂是利奧的前任教皇西斯廷四世（在位1471-84年）建造的。該教堂主要用於教皇和他周圍的教士和信徒。西斯廷在西克圖斯治下的裝飾以摩西和基督的生活為主題。這些掛毯延續了這一主題，描繪了聖彼得和聖保羅的生活場景，他們被視為基督教會的創始人，並強化了教皇的權威和權力。由此產生的掛毯還有編織邊框，展示了利奧的生活場景和聖保羅的生活場景，這些也是拉斐爾設計的，但這些卡通畫沒有保存下來。

這張卡通畫展示了一個奇蹟治愈的男子，居民們誤認保羅和巴拿巴是當地的神朱比特和墨丘利，並準備向他們獻祭。保羅失望地撕開了他的衣服，而巴拿巴試圖阻止獻祭，警告萊斯特人他們的偶像崇拜行為。

Fashion & Jewelry 時尚與珠寶展廳：Room 40, Level 0 / Room 91-93, Level 2

在 V&A 博物館中，時尚與珠寶展廳（Fashion & Jewellery） 是最能展現人類對美感與奢華極致追求的區域。

全球最大、最全面的服裝收藏之一<步入這個展廳，就像走進一條跨越五個世紀的時光隧道。

展廳中央的大型圓形展區，陳列了從 17 世紀精緻的緊身胸衣、18 世紀奢華的絲綢長袍，一直到現代的高級訂製服。最受矚目的是 20 世紀的轉折點作品，例如：1947 年 Dior 的 Bar Suit、 Cristobal Balenciaga 與 Alexander McQueen 等大師的代表作。

而珠寶區更是全倫敦「單價最高」的一個房間，展廳收藏了超過 3,000 件珠寶，其奢華程度足以令人屏息。展廳由著名的 William and Judith Bollinger 贊助，內部採用先進的燈光與深色展示櫃設計，讓每一顆寶石都彷彿在黑暗中懸浮閃爍。

必看珍寶：

• 維多利亞女王的藍寶石鑽石小皇冠： 這是艾伯特親王親自為女王設計的，象徵著兩人的深情，也是館內的精神象徵
• 俄羅斯凱薩琳大帝的鑽石： 展現了帝俄時期的極致霸氣
• 當代珠寶： 包含 Cartier、Fabergé 以及現代藝術家的實驗性作品

V&A 美術館咖啡廳 Cafe：Level 0

Ｖ＆Ａ的咖啡廳是一定要來的！到cafe來個下午茶，休息一下再繼續探索～

Paintings 畫作類：Room 88, Level 2

John Constable 英國著名風景畫家，其對雲與植物的觀察十分入微。

個人喜愛作品欣賞

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